Caravaggio

Caravaggio zeichnet das Leben des genialischen Barockmalers Michelangelo Merisi da Caravaggio als ein intensives, sinnliches Porträt zwischen Licht und Schatten. Die Kamera fängt seine Bilder nicht nur ein, sie lässt sie lebendig werden: Modelle, Freunde und Feinde erscheinen wie aus seinen Gemälden herausgeschnitten, während der Film die radikale Kraft seiner fast blasphemischen Kompositionen spürbar macht. Die rohe Sinnlichkeit seiner Motive steht im ständigen Widerstreit mit den moralischen und religiösen Konventionen seiner Zeit.

Die Erzählweise ist episodisch und stark visuell geprägt, sie folgt weniger einer chronologischen Biografie als den wiederkehrenden Motiven von Gewalt, Leidenschaft und Verzweiflung. Caravaggios Beziehungen zu Gönnern, Prostituierten und Gesetzlosen werden zu Szenen voll knallharter Nähe und brutaler Ambivalenz, in denen Ekstase und Gefahr oft kaum zu unterscheiden sind. Durch diese Dramatisierung von Kunst und Leben entsteht ein Bild von einem Künstler, der zwischen Heiligkeit und Verfall hin- und hergerissen ist.

Die filmische Sprache nutzt starke Hell-Dunkel-Kontraste, theatralische Bildkompositionen und eine dichte, fast musikalische Atmosphäre, die an Gemälde in Bewegung erinnert. Diese Ästhetik macht die Ambitionen und den inneren Aufruhr des Malers unmittelbar erfahrbar: ein Mann, der durch seine Kunst berühmt wird, zugleich aber von Schuld, Eifersucht und dem rauen Milieu seiner Zeit zerrieben wird. Die Szenen wirken wie Bewusstseinsfragmente, in denen Vergangenheit, Gegenwart und die Bildwelt ineinanderfließen.

Am Ende bleibt Caravaggio ein zutiefst ambivalentes Porträt eines Künstlers, dessen Schaffen ebenso provoziert wie fasziniert. Der Film bietet keine einfache Rechtfertigung, sondern fordert dazu auf, die Widersprüche von Genie und Selbstzerstörung, von religiöser Ikonographie und weltlicher Rohheit zu betrachten. Es ist eine filmische Meditation über die Kraft der Kunst – und den Preis, den ihr Schöpfer dafür zahlen muss.